Eugeniusz Zak, également connu sous le nom d’Eugène Zak, est né en 1884 à Mogilno, dans la province de Minsk (aujourd’hui en Biélorussie), au sein d’une famille juive assimilée. Après le décès de son mari en 1892, la mère de Zak s’installa avec son fils à Varsovie, où celui-ci termina ses études secondaires et commença une formation artistique.

Formation : entre Varsovie, Paris et Munich

En 1902, il partit pour Paris afin d’étudier à l’École des Beaux-Arts dans l’atelier de l’académicien Jean-Léon Gérôme (1824-1904). Il a ensuite suivi des cours à l’Académie privée Colarossi, sous la direction de l’impressionniste Paul Albert Besnard (1849-1934). En 1903, il a effectué un voyage en Italie, visitant notamment Rome et Florence. À la fin de cette même année, il a commencé des études à Munich dans l’école privée d’Anton Ažbe (1862-1905), un portraitiste originaire de Slovénie mais formé à Vienne et à Munich. L’œuvre d’Ažbe s’inscrivait dans la lignée de la maîtrise technique académique, tout en alliant une certaine sensibilité impressionniste et des émotions non dénuées d’expressionnisme, ainsi que, dans sa période de maturité, des influences de l’Art nouveau.

Ažbe était toutefois avant tout un pédagogue très apprécié. Parmi ses élèves figuraient principalement des étudiants d’Europe de l’Est, notamment Wassily Kandinsky (1866-1944), Alexis Jawlensky (1864-1941) et le Polonais Zygmunt Rozwadowski (1870-1950). Dans son activité pédagogique, Ažbe alliait – comme le rappelait Kandinsky – une exigence « rigoureuse » en matière de maîtrise technique et de connaissance parfaite de l’anatomie à une ouverture d’esprit favorisant le développement de la vision artistique individuelle de ses étudiants. Il semble que cela ait eu une forte influence sur la formation du style d’Eugeniusz Zak.

Premiers succès

Zak revint à Paris en 1904, où il fit ses débuts au Salon d’automne. Son talent fut rapidement remarqué : deux ans plus tard, il devint membre du jury de la section dessin de cette prestigieuse exposition. Il exposa également au Salon des Indépendants et aux Tuileries.

Entre 1906 et 1908, il se rendit à plusieurs reprises en Bretagne, notamment au Pont-l’Abbé, où il s’inspira des paysages locaux et de la vie rurale.

En 1910, l’une de ses œuvres fut acquise par l’État français pour le musée du Luxembourg, et en 1911, une exposition personnelle des tableaux de Zak fut organisée à la Galerie Druet. En 1913, l’artiste participa à la célèbre « Armory Show » à New York, puis à la Biennale de Venise en 1914. En 1912, il devint professeur à l’Académie de La Palette.

Installé dans la capitale française, Zak s’est impliqué dans la vie de la colonie artistique polonaise et a collaboré avec la Société des artistes polonais.

Retour en Pologne

En 1913, il épousa la peintre Jadwiga Kon, qui, après la mort de son mari, ouvrira la célèbre Galerie Zak à Paris. Pendant la Première Guerre mondiale (1914-1916), il séjourna dans le sud de la France (Nice, Saint-Paul-de-Vence, Vence) ainsi qu’à Lausanne, en Suisse.

En 1916, l’artiste est rentré en Pologne avec sa famille et s’est installé à Częstochowa, la ville natale de son épouse ; il se rendait également souvent à Varsovie. En Pologne, il s’est rapproché des Formistes et a cofondé l’Association des artistes polonais « Rytm », qui prônait les idées du néoclassicisme et d’un art inspiré du folklore. Pendant son séjour dans son pays natal, il a beaucoup exposé, notamment à Varsovie, où une exposition individuelle lui a été consacrée en 1917. Finalement, en 1922, Zak a de nouveau quitté la Pologne, cette fois-ci pour de bon. D’abord pour l’Allemagne.

Berlin, Bonn, Paris

En Allemagne, où il était déjà un artiste reconnu, il s’installa d’abord à Berlin, puis à Bonn. C’est là qu’il réalisa les décorations intérieures de la villa de l’architecte Fritz August Breuhaus (1883-1960). Il publia également des articles dans la prestigieuse revue « Deutsche Kunst und Dekoration », présentant à ses lecteurs les artistes qu’il appréciait.

En 1923, il s’installa à nouveau à Paris. Il fut un membre important de l’École de Paris et entretint des liens étroits avec des artistes tels que Zygmunt Menkes (1896-1986), Roman Kramsztyk (1885-1942), Leopold Gottlieb (1879-1934), Mela Muter (1876-1967) ou encore Marc Chagall (1887-1985). Il était également ami avec des critiques d’art, notamment Adolf Basler (1876-1951) et André Salmon (1881-1969), qui soutenaient son œuvre et en faisaient la promotion dans les milieux artistiques.

Ses tableaux étaient volontiers exposés dans des galeries prestigieuses de Paris, Berlin, Londres ou New York, où ils remportaient l'adhésion tant des critiques que des collectionneurs. En 1925, la Galerie Devambez à Paris a accueilli la dernière exposition personnelle de l’artiste de son vivant.

Son œuvre : ligne, rythme et harmonie

Zak considérait que l’art devait être intemporel. Dans son carnet, il notait : « Il ne faut pas prétendre renverser quelque chose ni construire. Il n’y a pas d’inventions dans l’art. L’art n’est ni d’hier, ni d’aujourd’hui, ni de demain – il est de tous les temps ». Cette conviction transparaît clairement dans sa peinture, qui allie les traditions classiques à une approche moderniste de la couleur, de la forme et de la composition.

L’artiste avait un penchant pour la recherche personnelle et l’expérimentation. Il puisait son inspiration dans des sources variées : de l’art de la Renaissance italienne et allemande, avec une prédilection particulière pour l’œuvre de Botticelli (1445-1510) et de Léonard de Vinci (1452-1519) ainsi que des œuvres de Hans Holbein le Jeune (1497/1498-1543) et d’Albrecht Dürer (1471-1528), en passant par les symbolistes français, tels que Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898), jusqu’aux influences de Paul Cézanne (1839-1906), du jeune Picasso (1881-1973) et des Nabis. C’est sans doute sous l’influence de ces derniers qu’est apparu dans sa peinture un goût pour les taches de couleur plates et les contours subtilement tracés. À cela s’ajoutaient des inspirations tirées des traditions d’Extrême-Orient – miniatures persanes, porcelaine chinoise et gravure sur bois japonaise –, présentes dans le caractère conventionnel de ses paysages, ses contours délicats et ses agencements décoratifs.

Pour Zak, les valeurs les plus importantes dans l’art étaient la ligne, le rythme et l’harmonie. Dans ses œuvres, la ligne organise l’espace pictural : elle dessine et délimite les formes, au lieu de les modeler par le clair-obscur au sens classique du terme. C’est ainsi que l’artiste construisait des plans chromatiques fermés et harmonieux ainsi que des agencements compositionnels rythmiques. À cet égard, on peut percevoir des influences tant de Wyspiański que de Van Gogh, qui utilisaient eux aussi la ligne comme moyen d’organiser les formes. Le caractère linéaire du style de Zak transparaît également parfaitement dans ses contours fluides et souples, d’une finesse parfois tout à fait Art nouveau.

Le caractère décoratif reste également une caractéristique importante de sa peinture – parfois renforcé par un allongement maniériste des proportions. Le jeu d'ombre et de lumière est généralement subtil et se manifeste dans les traits des personnages délicatement modelés par la lumière, ce qui leur confère douceur et élégance.

Zak peignait rarement d’après nature : ses compositions naissaient principalement dans son atelier et se déroulaient dans un monde idéalisé, à la manière de l’Arcadie. On y retrouve des « hommes libres » : pêcheurs, bergers, mères avec leurs enfants, comédiens et danseurs, souvent représentés dans des poses à caractère théâtral. Ces scènes – peintes dans une palette claire et lumineuse – allient élégance et mélancolie. Dans les tableaux idylliques d’avant-guerre de Zak, on peut percevoir non seulement un écho de Puvis de Chavannes, mais aussi des références à la tradition classicisante de Nicolas Poussin (1594-1665) ainsi qu’une réinterprétation de la pensée de Cézanne, qui considérait le paysage comme une construction de plans colorés.

À la fin de la Première Guerre mondiale, des accents pessimistes apparaissent dans son œuvre, et les formes subissent une stylisation accrue, voire parfois une géométrisation. On y trouve plus souvent des personnages théâtraux et musicaux – pierrots, arlequins, danseurs – ainsi qu’une palette de couleurs raffinée, dominée par les roses, les violets, les verts et les rouges. Parallèlement, entre 1923 et 1924, ces thèmes nostalgiques et mélancoliques se mêlent à une dimension plus intime de son œuvre : le recours aux thèmes de la maternité et de la famille, ainsi qu’un intérêt pour les aspects plus sereins de la vie.

Au fil des ans, le style de Zak a évolué, passant de ses premières expérimentations avec les aplats de couleur et le rythme des lignes, à des compositions figuratives d'inspiration Renaissance, puis à des tableaux plus abstraits et rythmés des années 1920. Dans des œuvres telles que « Judith » (1909) ou « Le Printemps » (1912), on perçoit une tentative de transposition des formes classiques dans un langage pictural contemporain. En revanche, dans ses œuvres ultérieures, telles que « L’Arlequin » (1922), « La Femme au bouffon » (1923), « Le garçon à la guitare » (1924) ou « Le musicien » (1925), l’artiste introduit des divisions de plans plus complexes ainsi qu’une palette de couleurs intenses et contrastées.

Eugeniusz Zak a créé un style qui lui est propre, reconnaissable bien qu’hétérogène, qui le distingue sans aucun doute au sein du cercle des artistes de l’École de Paris, dans lequel il évoluait. Il ne se livrait pas aux expérimentations d’avant-garde, mais ne se fermait pas non plus aux changements et aux nouveaux courants. C’était un artiste qui trouvait son épanouissement et la beauté dans la réinterprétation de la tradition. Ses tableaux, empreints d’harmonie et de réflexion sur la nature humaine, continuent de séduire par leur subtilité, leur sens de la forme et leur profond lyrisme.

Mort et héritage

Eugeniusz Zak est décédé d’une crise cardiaque le 15 janvier 1926, à l’âge de 41 ans seulement. Sa mort a mis fin à une carrière en plein essor : peu avant son décès, il devait prendre ses fonctions de professeur de peinture à l’Académie des Beaux-Arts de Cologne.

Des expositions rétrospectives posthumes consacrées à l’œuvre de l’artiste ont eu lieu dans les galeries parisiennes Bing (1926), Marcel Bernheim (1927), Zak (1936, 1938), ainsi qu’à Varsovie et Düsseldorf (toutes deux en 1926), à New York (1927) et à Londres (1929). La galerie Zak, dirigée par son épouse, est devenue l’un des lieux les plus importants de promotion de l’art à Paris, présentant, outre les œuvres de son défunt mari, celles d’artistes tels qu’Amedeo Modigliani (1884-1920) ou Marc Chagall (1887-1985).

Monument funéraire

La pierre tombale d’Eugène Zak se trouve au cimetière du Montparnasse à Paris. Il se distingue par sa forme austère et moderniste, caractéristique de l’entre-deux-guerres. Il a sans doute été réalisé peu après la mort de l’artiste, en 1926. Il est en pierre grise polie.

La composition se compose d’une dalle funéraire et d’un élément vertical placé à son sommet : un volume de section rectangulaire. Dans la partie supérieure se trouve une niche qui divise la forme en deux zones : la partie inférieure, pleine, et la partie supérieure, plus ouverte visuellement. La niche est encadrée, à droite, par un pilier s’évasant vers le bas en deux paliers. En dessous se trouve un bloc de pierre parallélépipédique, sur la face duquel est gravée l’inscription suivante :

EUGENE ZAK / ARTISTE PEINTRE / 15 DÉCEMBRE 1884 / 15 JANVIER 1926 //.

La niche abritait probablement un élément décoratif qui n’a pas été conservé.

La pierre tombale porte les traces du temps qui passe. On observe des décolorations de la pierre dues aux intempéries ainsi que de légers dommages à la surface : des rayures et de petites ébréchures. L’inscription reste lisible, bien qu’elle soit défraîchie.

Catalogue des œuvres

Les œuvres d’Eugeniusz Zak font partie des collections d’institutions publiques ainsi que de nombreuses collections privées, notamment la célèbre collection américaine d’art polonais de Tom Podla.

La liste ci-dessous présente une sélection de tableaux provenant de collections muséales situées hors de Pologne.

1. « La religieuse »

   
   1924
   Huile sur toile
   99,7 × 79,5 cm
   National Gallery of Art, Washington
   N° d'inventaire 1964.19.10
   
   L’une des caractéristiques de l’œuvre de l’artiste était de réaliser plusieurs versions d’un même motif, différant par de petits détails. C’est le cas de « La religieuse », dont une version presque identique a été conservée sur un tableau daté de 1921, conservé au Musée régional de Toruń. Les deux tableaux se caractérisent par une composition simplifiée et rythmée ainsi que par une palette de couleurs harmonieusement agencée, ce qui les rapproche des principes du groupe « Rytm », dont Zak était l’un des cofondateurs.
   
   Signé : Eug. Zak
   Informations sur le site de la National Gallery of Art
   
   Exposé :
   « A Group of Twentieth Century Paintings from the Chester Dale Collection », Department of Fine Arts, Carnegie Institute, Pittsburgh, 1931, n° 14.
   
   Publié dans :
   Artur Tanikowski, Eugeniusz Zak, Sejny 2003, ill. 153.
   « Pittsburgh Post-Gazette » 7 mai 1931, n° 7.
   European Paintings. Un catalogue illustré, National Gallery of Art, Washington 1985, p. 441.
   

2. « Jeune fille en prière »

   
   Vers 1906
   Aquarelle, crayon, crayon noir, carton
   66,7 × 55,7 cm
   National Gallery of Art, Washington
   N° d’inventaire 1964.19.11
   Signé : Eug. Zak
   Informations sur le site de la National Gallery of Art
   
   Publié sur :
   Artur Tanikowski, Eugeniusz Zak, Sejny 2003, ill. 61.
   
   Remarque concernant la provenance des tableaux « La religieuse » et « La jeune fille en prière ».
   Ces deux tableaux proviennent de la collection du banquier et collectionneur d’art américain Chester Dale (1883-1962). Sa collection était principalement axée sur l’art français. La plupart des œuvres de sa collection, notamment celles de Paul Cézanne, Henri Matisse ou Pablo Picasso, ont rejoint la National Gallery of Art de Washington, où elles ont été données en 1964, après le décès du collectionneur. Deux œuvres d’Eugène Zak, acquises par Dale en 1929 à Paris, font également partie de cette collection.
   

3. « Le guignol »

   
   Vers 1925
   Peinture sur toile
   54,5 × 65 cm
   Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (Argentine)
   N° d'inv. 2699
   
   Cette œuvre, probablement réalisée entre 1923 et 1925, est un exemple caractéristique de l’œuvre tardive de Zak, dans laquelle l’artiste se concentrait sur des scènes de genre intimistes, inspirées de la vie quotidienne. Elle représente trois personnages – une femme, un enfant et un homme âgé – plongés dans l’atmosphère paisible d’un intérieur familial. La femme, assise dos au spectateur, joue avec une marionnette en compagnie de l’enfant, tandis que l’homme âgé, coiffé d’un chapeau et vêtu d’un manteau, semble travailler sur une autre marionnette.
   
   La palette de couleurs du tableau repose sur un rouge intense en arrière-plan, qui contraste avec les nuances froides de vert et de bleu des vêtements des personnages. Cette juxtaposition structure la composition et renforce l’atmosphère chaleureuse et intime de la scène. Les formes simplifiées et géométrisées – caractéristiques du style tardif de l’artiste – confèrent à la représentation clarté et élégance, sans pour autant lui ôter sa subtilité. La composition est bien équilibrée : les personnages forment un triangle qui guide le regard du spectateur vers le centre du tableau, tandis que la porte ouverte à l’arrière-plan apporte une dynamique spatiale.
   
   La symbolique de la marionnette et du jeu théâtral apporte une dimension interprétative supplémentaire, faisant écho au thème de la théâtralité de la vie, présent dans d’autres œuvres de l’artiste. Ce tableau, comme beaucoup d’autres œuvres de Zak, est un hommage aux relations humaines intimes et aux moments du quotidien que l’artiste dépeignait avec tendresse et mélancolie. La fascination pour la ligne, caractéristique de l’ensemble de l’œuvre de l’artiste, s’exprime ici à travers des contours fluides et souples qui fondent les personnages dans leur environnement et confèrent à la composition une harmonie rythmique.
   
   Informations sur le site du Museo Nacional de Bellas Artes
   
   Publié sur :
   Artur Tanikowski, Eugeniusz Zak, Sejny 2003, p. 50.
   Paul Fierens inclut Zak dans un groupe d’artistes appelé « Les Stylisateurs », [dans :] Histoire de l’art contemporain : la peinture, René Huyghe (éd.), Paris 1935, p. 293-298.

   

   
   

4. « Le berger »

   
   1910-1911
   Huile sur toile
   116,8 × 81,8 cm
   The Art Institute of Chicago, Chicago
   N° d’inventaire 1931.519
   
   Dans le tableau « Le berger », Zak présente une vision poétique et idéalisée de la vie pastorale. Cette œuvre, datée de 1910-1911, reflète l'intérêt de l'artiste pour les paysages idylliques, presque mythiques, dans lesquels la figure humaine s'accorde harmonieusement avec la nature. Le berger, vêtu d’un costume jaune vif, est agenouillé au bord d’un ruisseau sinueux, dont il boit l’eau. La scène respire la sérénité et la rêverie.
   
   La composition se caractérise par une simplicité et une clarté qui sont les traits distinctifs du style abouti de Zak. La silhouette du berger est définie par des lignes fluides et douces qui s’harmonisent avec les courbes délicates du paysage. La ligne ne remplit pas ici une fonction purement constructive : c’est un élément lyrique qui construit le rythme du tableau et guide le regard du spectateur à travers la scène. De petits détails, tels que les fleurs dans la prairie ou les moutons paissant au loin, renforcent le caractère pastoral de la scène.
   
   La palette de couleurs du « Berger » se caractérise par son harmonie. Le jaune intense du costume du berger contraste avec le vert du paysage, tandis que les tons chauds du ciel confèrent de la profondeur à la composition. Le tableau inspire un sentiment d’équilibre et de sérénité – expression de la fascination de Zak pour la création d’œuvres qui transcendent la modernité chaotique de son époque, en renvoyant aux idéaux classiques de beauté et d’harmonie. En reprenant des motifs de la Renaissance et du néoclassicisme, il les réinterprète dans un esprit contemporain : à travers des formes simplifiées et en mettant l’accent sur l’impact émotionnel. « Le Berger » témoigne de la capacité de Zak à entremêler narration, symbolisme et raffinement esthétique au sein d’une vision artistique cohérente. Il représente non seulement un moment de réflexion silencieuse, mais aussi le lien intemporel entre l’homme et la nature.
   
   Signé : Eug. Zak
   Informations sur le site de l’Art Institute of Chicago
   
   Exposé :
   New York, « International Exhibition of Modern Art (The Armory Show) », fév. 17 février – 15 mars 1913, n° 233 du catalogue, sous le titre « Le Berger » ; Chicago, The Art Institute of Chicago, 1913.
   Chicago, The Art Institute of Chicago, « Exhibition of Paintings from the Collection of the Late Arthur Jerome Eddy », 1922.
   Chicago, The Art Institute of Chicago, « Exhibition of the Arthur Jerome Eddy Collection of Modern Paintings and Sculpture », 1931-1932.
   Hartford, Wadsworth Atheneum, « An Exhibition of Literature and Poetry in Painting since 1850 », 1933.
   Chicago, The Art Institute of Chicago, « A Century of Progress : Exhibition of Paintings and Sculpture », 1933.
   Chicago, The Art Institute of Chicago, « A Century of Progress : Exhibition of Paintings and Sculpture », 1934.
   Utica, NY, « Munson-Williams-Proctor Institute, 1913 Armory Show - 50th Anniversary Exhibition », 1963.
   Varsovie, Musée national, « Eugeniusz Zak (1884-1926) », 2003-2004.
   New York, New-York Historical Society, « The Armory Show at 100 », 2013-2014.
   
   Publications : voir la liste des publications.
   

   

5. « Autoportrait »

   
   1919
   Huile sur toile
   100 × 79 cm
   The Israel Museum, Jérusalem
   N° d’inventaire B53.09.5555
   
   L’autoportrait d’Eugeniusz Zak de 1919, réalisé pendant son séjour en Pologne, constitue l’un des exemples les plus introspectifs et les plus expressifs de l’œuvre de l’artiste.
   
   Zak se représente assis, le corps légèrement tourné et le visage pensif. Son personnage se distingue par une noble simplification des formes, des détails subtils – comme la position de ses mains tenant un éventail – et l’harmonie des couleurs. Le costume, dans des tons de vert et de brun olive, contraste avec le rouge intense de la chaise et le fond monochrome, instaurant une sérénité teintée de mélancolie – caractéristique des portraits de Zak.
   
   La particularité de cet autoportrait réside dans la linéarité de la forme et le souci du rythme des lignes. Les contours du visage, des mains et du corps sont fluides et épurés, ce qui confère à la silhouette une qualité presque sculpturale. Zak, comme dans ses autres œuvres, utilise une lumière douce et un modelé délicat pour esquisser subtilement le volume et la texture du personnage. Ainsi, les lignes ne se contentent pas de définir le personnage, mais apportent également harmonie et équilibre à l’ensemble de la composition.
   
   Le caractère introspectif de l’œuvre est renforcé par l’expression mélancolique et pensive du visage ainsi que par la pose naturelle, qui souligne l’authenticité et l’intimité. L’éventail qu’il tient à la main peut être interprété comme un symbole des outils artistiques ou de l’expression personnelle. « Autoportrait » n’est pas seulement une représentation de la présence physique de Zak, mais avant tout le reflet de son for intérieur sensible et en quête de sens.
   
   Informations sur le site du Musée d’Israël
   
   Exposé :
   « Skin-Deep - Surface and Appearance in Contemporary Art », Musée d’Israël, Jérusalem, 1999.
   
   Publié :
   Kamien-Kazhdan, Adina (éd.), Modernism in Dialogue : Peinture et sculpture du XXe siècle au Musée d’Israël, Musée d’Israël, Jérusalem, 2010.
   

6. « Le jeune buveur » (« Le jeune homme qui boit »)

   
   1910-1915
   Huile sur toile
   66,04 × 60,96 cm
   Buffalo AKG Art Museum, Buffalo
   N° d'inventaire 1929:1
   
   Ce tableau a probablement été réalisé entre 1910 et 1915, à l’apogée de la carrière de Zak, alors qu’il alliait le néoclassicisme à des éléments du symbolisme. Il s’inscrit parfaitement dans le style de l’École de Paris.
   
   Il représente un jeune homme assis sur un tabouret en bois simple, tenant dans ses mains une cruche rappelant une amphore antique. Ce geste chargé d’émotion et cette expression concentrée du visage confèrent à la scène un caractère symbolique : le récipient peut être interprété comme une métaphore de la soif spirituelle, de la quête de savoir ou d’une réflexion sur son propre destin. Contrairement aux paysages idylliques tels que « Le Berger », ce tableau est plus introspectif.
   
   La composition est équilibrée, empreinte d’un sens du rythme et de l’harmonie. Le fond sobre crée une atmosphère mystérieuse grâce au contraste entre les bandes verticales sombres et la texture subtile. Le personnage central, aux contours marqués et aux couleurs intenses, acquiert ainsi une qualité sculpturale.
   
   La palette de couleurs est vive, mais harmonieuse : des bleus profonds, des rouges chauds et des jaunes ocres contrastent avec le fond neutre. La lumière et les ombres subtiles soulignent la douceur des formes ainsi que le modelé délicat de la silhouette.
   
   Signé : Eug Zak
   Informations sur le site du Buffalo AKG Museum

   

   
   

7. « Le mendiant aveugle »

   
   1925
   Huile sur toile
   Mishkan Museum of Art, Ein Harod Meuhad (Israël)
   
   La composition du « Mendiant aveugle » se concentre sur le personnage vêtu de rouge, qui respire la souffrance et la solitude. Sa silhouette voûtée, la main tendue, attire le regard et suscite la compassion. Les bâtiments simples mais aux couleurs vives en arrière-plan – jaunes et rouges – contrastent avec les zones sombres, soulignant l’isolement du personnage. Les subtils jeux d’ombre et de lumière lui confèrent une qualité sculpturale, tandis que les lignes et les formes expressives allient le style de Zak au symbolisme mystique.
   
   L’histoire du « Mendiant aveugle » s’inscrit dans le destin tragique et controversé des œuvres d’art spoliées par les nazis pendant la Seconde Guerre mondiale. Le tableau a été volé à Paris pendant la Seconde Guerre mondiale par l’organisation nazie Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg, chargée de la confiscation des biens juifs. Après la guerre, il a été transféré en Israël dans le cadre d’un programme visant à restituer les œuvres d’art orphelines aux communautés juives. Il a rejoint la collection du Mishkan Museum of Art, où sa provenance est restée inconnue pendant des décennies.
   
   La découverte d’un cachet nazi au dos de l’œuvre par une étudiante polonaise spécialisée dans l’art spolié a permis d’identifier son origine. Cela a jeté un nouvel éclairage sur l’histoire complexe des œuvres d’art spoliées pendant l’Holocauste, soulignant l’importance des recherches sur leur restitution.
   
   Pour en savoir plus : « Israeli museum hopes to solve mystery of looted painting », « The Guardian » 2016, https://www.theguardian.com/world/2015/dec/16/israeli-museum-hopes-to-solve-mystery-of-looted-painting
   
   Exposé :
   « Treasures of the Mishkan Museum of Art », Mishkan Museum of Art, 2022
   
   Publié :
   Artur Tanikowski, Eugeniusz Zak, Sejny 2003, ill. 141 (uniquement une photographie de l’œuvre issue des collections de l’IS PAN, aucune information sur l’état de conservation du tableau).
   

8. Sans titre (tête d’homme)

   
   Gouache
   30,6 x 25,8 cm
   Harvard Art Museum, Cambridge
   N° d’inventaire 1929.92
   Signé : Eug. Zak
   Informations : Harvard Art Museum
   
   Exposé :
   Chicago, The Art Institute of Chicago, « 11e exposition internationale d’aquarelles », 1931. Cambridge, exposition non identifiée, Cambridge Fine Arts Guild, 1936.
   
   Publié :
   Agnes Mongan et Paul J. Sachs, Drawings in the Fogg Museum of Art, Cambridge 1940, n° 775, fig. 404.
   

9. Sans titre (figure féminine)

   
   dessin sur papier
   28,2 x 22,2 cm
   The Metropolitan Museum of Art, New York
   Informations sur le site : The Metropolitan Museum of Art
   

10. « Jeune Italien »

    
    1902
    papier, crayon
    21,5 × 17,0 cm
    collection de Belgazprombank OJSC
    Informations sur le site de Belgazprombank OJSC
    

11. « Femme en robe longue »

    
    1902
    papier, crayon
    21,5 × 17,0 cm
    collection de la Belgazprombank OJSC
    Informations sur le site de la Belgazprombank OJSC
    

12. « La Femme assise »

    
    1902
    Papier, crayon
    20,8 × 16,5 cm
    Collection de Belgazprombank OJSC
    Informations sur le site de Belgazprombank OJSC
    

13. « Homme à la casquette »

    
    1906
    Aquarelle, papier
    Institut polonais des arts et des sciences d’Amérique, New York
    Signé : Eug. Zak/06

Les informations relatives aux publications et aux expositions, ainsi que les données concernant les tableaux, sont tirées des catalogues de musées, complétées par l’auteur.

Cette étude recense d’autres œuvres conservées dans des collections publiques hors de Pologne.