L'article de Władysław Kozicki " Józef Mehoffer ", publié dans le périodique " Sztuki Piękne ", 1926/1927, n° 10-11, p. 364-411, présente les réalisations artistiques de Mehoffer et son approche de l'art, en les comparant avec les réalisations d'autres artistes polonais, dont Wyspiański. Les réalisations les plus importantes de l'artiste en Pologne et à l'étranger sont présentées, notamment les vitraux achevés de la Collégiale Saint-Nicolas de Fribourg (1895-1936) et la mosaïque de la coupole et des pendentifs de la cathédrale arménienne de Lviv (1912-1913). Les réalisations susmentionnées sont décrites en détail et l'article lui-même est richement illustré par des reproductions de ses œuvres.

Une lecture modernisée du texte

Józef Mehoffer.

La LIFE de Masaccia commence par la remarque générale de Vasari selon laquelle "la nature, lorsqu'elle donne naissance à un homme très éminent dans un certain domaine", ne le crée généralement pas seul, mais lui en adjoint d'autres, afin qu'"ils se soutiennent mutuellement par le biais de la concurrence" et qu'ils excitent ainsi la postérité dans leur travail et dans leur recherche de la célébrité.Avec ces mots naïfs, le vieil arythméen disait la vérité vraie, vérifiée par le cours de l'histoire de l'art, à savoir que les génies et les grands talents n'apparaissent jamais seuls, comme des tours construites dans le désert, mais poussent avec d'autres à partir du terrain commun, dans lequel ont jailli les forces fertiles d'une intensification générale de la vie artistique dans un certain pays et à une certaine époque.

Outre la règle de la survie et de l'extinction de certains courants artistiques et l'apparition de nouveaux courants en opposition extrême avec les précédents, c'est l'une des rares régularités dans l'histoire de l'art de Hoffer qui ne connaît ni les accents de la tragédie, ni les élans extatiques du bonheur, qui est loin de toute exaltation et de tout subjectivisme émotionnel exacerbé. Cet artiste prend le monde tel qu'il est. Il ne le considère ni comme le pire ni comme le meilleur, mais comme quelque chose de nécessaire dont il faut tirer le maximum de satisfaction et de beauté. Oui, la beauté.

C'est aussi là que Mehoffer se rapproche de l'idéal artistique de la Renaissance : ce n'est pas la caractérisation, ni la profondeur intérieure, ni l'expression psychologique, mais la beauté qui est son objectif artistique. Spirituellement, il appartient à la même famille que Ghirlandajo, Raphaël, Poussin, Ingres.... La famille des Michel-Ange, Rembrandt, Rodin, Wyspianski, la tribu des mystiques, des métaphysiciens et des visionnaires n'est pas la sienne. Bien sûr, il serait superflu d'ajouter que la beauté de Mehoffer n'a rien en commun, d'un point de vue formel, avec la beauté de la Renaissance ou - comme l'appelle Wölf" flin - la beauté classique, ou avec toute autre beauté.

Son art est vraiment grand précisément parce qu'il crée un monde complètement fermé sur lui-même, séparé et différent de tous les autres. La beauté qui émane de ses vitraux, avec une gamme de couleurs fascinantes, lumineuses et juteuses et des arabesques brillantes de lignes décoratives, est une beauté particulière, exclusivement mehofferienne. La conception de la mort de Mehoffer est extrêmement caractéristique de son credo artistique et de sa vie. Dans sa conception, la mort n'est pas le démon qui, dans l'œuvre de Wyspiański, jette une ombre lugubre et tragique sur tous les sentiments, pensées et actes humains, mais un élément nécessaire dans le processus d'évolution de la vie, une condition indispensable à sa continuité, une prémisse inévitable à la naissance de nouvelles formes d'existence.

La certitude de la mort ne doit pas paralyser l'artiste dans son action, ne doit pas obscurcir les horizons clairs de sa vision spirituelle par les ténèbres de la souffrance. Sa tâche consiste à créer des œuvres d'art dont l'immortalité ôte à la mort - au sens de l'artiste - son horreur, la rend impuissante et répond au terrible cliquetis de sa faux par le sourire joyeux de la vie indestructible. C'est ainsi que Mehoffer raconte cette thèse dans sa belle composition de vitrail Vita somnium brève (réalisée en 1901 pour l'atelier de vitrail Tuch et Ekielski, plus tard S. G. Żeleński), que j'ai vue dans son appartement et qui semblait particulièrement plaire à l'artiste.

Sur le mars gît le cadavre nu d'une jeune et jolie fille. Son corps est en partie recouvert d'une profusion de fleurs, d'un manteau de ses magnifiques cheveux blond clair et d'une cuirasse noire et aérée. À ses pieds, des couronnes et deux bougies dans des chandeliers. L'horreur de la mort est encore accentuée par un hideux squelette dont la tête, soutenue par le tibia d'un bras, se rapproche de la belle tête de la défunte et la fixe de ses yeux béants. L'impression lugubre de cette scène macabre est cependant complètement dissipée par l'exubérante joie de vivre que nous voyons au sommet. Perchées sur l'arrière-plan du paysage d'un vert profond, trois dames vêtues sont plongées dans une conversation animée et joyeuse. Elles personnifient la sculpture, la poésie et la peinture.

Mehoffer, renversant la tradition précédente qui établissait un canon de statues grecques nues pour ce type de représentation allégorique, a habillé les trois femmes de robes contemporaines exquises, comme s'il voulait souligner qu'il s'agissait d'art vivant et non de reliques marbrées. La première de ces dames, une femme aux cheveux gris avec une petite djade sur le sommet de la tête, au visage mince, sensible, extrêmement vivant, vêtue d'une robe noire aux tons vert foncé - un de ces noirs mehoffériens, Elle tient une statuette dans sa main gauche et pose l'autre sur la main de sa voisine, Poésie, une brune hautaine et effacée, coiffée d'une couronne sérieuse et romane.

Sa robe, chatoyante de jaunes et de roses clairs, contraste remarquablement avec la tenue vert clair de sa compagne, une blonde coquette et curieuse, qui tient une palette et des pinceaux à la main et arbore un fantastique chapeau noir sur la tête. Les graffitis qui enveloppent la figure de "Sculpture" et le manteau jaune et brun clair qui coule sur les épaules de "Peinture" enferment le groupe dans un ensemble compact et plein de liberté. Derrière elle se tient le Génie de l'Art, un jeune homme aux cheveux dorés, roux, couleur de flamme, avec d'énormes ailes qui, comme toujours chez Mehoffer, s'éloignant le plus possible du modèle des ailes d'oiseaux, sont un poème féerique ineffable de formes fantastiques et de couleurs chaudes, étrangement harmonisées.

Son visage doucement mélancolique est en harmonie avec l'inscription : Vita somnium ßreve, placée sur un étroit ruban jaune, que ce beau symbole d'inspiration tient dans ses mains étendues. Mais la tonalité émotionnelle, qui domine toute la composition, est la joyeuse indestructibilité de la vie qui, trouvant son expression condensée dans l'art, est plus puissante que la mort. Ceci est exprimé non seulement par les facteurs allégorico-émotionnels de la composition, mais aussi et surtout par la coloration, dont la vivacité orgiaque, humide, lumineuse, saine et luxuriante est l'hymne le plus splendide à la vie éternelle dans la sérénité et le soleil. Une conception tout aussi sereine de la mort se retrouve dans les vitraux composés par Mehoffer pour la chapelle du cimetière d'Opava. Mehoffer représente le type le plus pur de l'artiste-artiste.

Son imagination créatrice est, au plus haut degré possible, purifiée de tout ce que nous appelons les éléments littéraires dans l'art. Bien plus que les naturalistes qui ont inscrit la lutte contre la littérature comme slogan sur leur bannière. Car eux, en s'occupant de la figure humaine, allaient et devaient aller dans le sens de l'expression, du caractère, et donnaient ainsi ce qui pouvait trouver son équivalent tout à fait sympathique dans la littérature, dans un Zola, par exemple.

Mehoffer, au contraire, en tant que peintre purement décoratif, supprime et relègue à l'arrière-plan toute expression psychique, c'est-à-dire le domaine par excellence littéraire, parce qu'il le recouvre d'une abondance enivrante d'éléments purement formels, d'une variété inépuisable de lignes décoratives raffinées avec une précision toute tuozienne, des lignes décoratives d'une inépuisable variété, raffinées avec une précision toute tuozienne, mouvantes comme le feu, fluides comme l'eau, disposées en arabesques les plus fantastiques, et une orchestration exubérante et symphonique de couleurs juteuses, brillantes, intérieurement enflammées, qui, dans les vitraux, jouent avec toute la gamme d'une délicieuse collection de joyaux : améthystes, rubis, saphirs, émeraudes, turquoises, topazes et diamants légèrement verdâtres.

La magie colorée des vitraux de Mehoffer est plus musicale que littéraire. Cette musique de lignes et de couleurs captive et éblouit tellement le spectateur que, dans un premier temps, il n'est pas du tout conscient du contenu iconographique et n'a même pas envie de le chercher. Ce n'est qu'au bout d'un certain temps que l'œil, au milieu des lignes enchevêtrées comme des ijanas et des lentilles de couleurs éclatantes de chaleur, accumulées comme des kaléidoscopes, découvre les contours de figures et de grandes compositions figuratives entières dont l'apparition inattendue et mystérieuse crée une impression de révélation soudaine. C'est d'ailleurs l'un des charmes tout à fait particuliers de ces diapositives de fenêtre. Elles dégagent une source de poésie imaginative et une grande force émotionnelle, dont le caractère n'est cependant pas littéraire mais plutôt visuel. Il s'agit d'une poésie de formes et de couleurs décoratives combinées en harmonies décoratives.

Ce qui est dans l'art comme thème, iconographie ou - comme Mehoffer l'appelle lui-même - anecdote, n'est pour lui qu'un prétexte lui permettant de développer ses qualités exclusivement picturales et ne prend pas plus de place qu'il n'en faut pour remplir la fonction religieuse de ses vitraux et pour éviter que son art ne soit un art sans objet, comme c'est le cas pour les cubistes et les constructivistes orthodoxes. Le contenu artistique - pour reprendre le terme de Mehoffer - relègue le contenu littéraire dans l'ombre de son art.

Mehoffer chante des poèmes entiers, incomparables, dont le charme principal ne réside cependant ni dans l'effusion narrative et épique, ni dans la subtilité psychologique, ni dans le lyrisme de l'od=sentiment, ni dans le caractère dramatique du concept, ni dans aucun de ces éléments qui constituent l'atmosphère familiale de la poésie des mots et des concepts, mais dans la richesse inépuisable de l'imagination picturale et décorative, dans cette poésie des formes et des ornements de lignes arabesques où l'artiste dispose les ailes de son corps de façon à ce qu'elles soient bien visibles. dans laquelle l'artiste dispose les ailes de ses anges et les robes de ses personnages, dans ces fontaines lumineuses de couleurs améthyste, bleu foncé, écarlate, vert noir et bien d'autres encore, qui se combinent toujours dans ses tableaux en une composition colorée bien pensée, d'une construction stricte, presque tectonique, tenant compte du poids des couleurs et des lois de la statique qui en découlent.

(Cf. les deux projets de vitraux pour la chapelle Swietokrzyska sur la colline du Wawel avec le mat de la croix comme symbole de la foi chrétienne). Cette poésie visuelle de Mehoffer, en couleur et au trait, a - comme William Ritter le répète avec insistance - une physionomie individuelle exceptionnelle et en même temps nationale=raciale. Mehoffer, dans son traité plein de réflexions profondes "L'art polonais dans le passé et aujourd'hui", considérait l'individualisme et la plénitude d'un tempérament exubérant comme les principales caractéristiques nationales de notre peinture.

C'est ainsi qu'il se définissait le mieux, son individualité et son tempérament polonais, exprimés avec une telle vitalité dans la richesse et l'enchevêtrement de ses lignes décoratives et dans l'orgie de ses harmonies de couleurs, où le rythme sauvage des obereks et des mazurkas, où l'élan coloré de l'ornementation folklorique polonaise trouvaient une expression artistique. En subordonnant consciemment le contenu iconographique au contenu artistique qui est incomparablement plus important pour lui, c'est-à-dire en l'occurrence les valeurs décoratives formelles, Mehoffer se sent parfaitement à l'aise dans le monde des allégories et des symboles qu'il utilise volontiers comme thèmes non seulement dans l'art ecclésiastique, mais aussi lorsqu'il crée des compositions qui n'ont été commandées par personne.

C'est compréhensible et logique, car ces représentations, sans l'obliger à concentrer ses efforts sur l'expression mentale, lui permettent de se consacrer presque exclusivement au problème de la décoration. En même temps, Mehoffer connaît parfaitement le symbolisme chrétien, il n'est pas moins familier que tel Traini ou tel autre artiste dominicain avec la didactique allégorique de l'Eglise catholique, l'hagiographie et l'iconographie des saints, L'artiste, qui a pour mission de représenter les saints, étudie avec la rigueur d'un scientifique et évolue dans ce domaine avec une telle certitude et une telle liberté que parfois, s'écartant des conventions traditionnelles, il innove hardiment, mais toujours fidèlement à l'esprit de la religion. (Une nouvelle conception de la Sainte Trinité dans la mosaïque de la cathédrale arménienne des Lions, le symbole de l'Eucharistie et la double représentation des mêmes saints, les vivants et les martyrs, dans les vitraux de Fribourg).

C'est pourquoi les personnes qui recherchent avant tout le contenu des œuvres d'art accusent souvent l'art de Mehoffer d'être froid, cérébral, intellectuel, érudit, presque scolaire. Cette accusation est tout à fait erronée car, d'une part, le contenu symbolique et allégorique complexe est conditionné par l'objectif ecclésiastique et décoratif des vitraux et, d'autre part, toute leur grande force émotionnelle ne réside pas dans le contenu iconographique mais dans le contenu artistique, dans les arabesques des lignes et dans la symphonie des couleurs. Les vitraux de Mehoffer ont un autre avantage, primordial, celui de présenter un style de vitrail d'une grande pureté, conditionné par la technique particulière de ces œuvres d'art.

Le vitrail s'est épanoui à l'époque gothique et était la peinture propre à cette époque. À l'époque, il n'était pas possible de produire de grands panneaux de verre ni du verre techniquement parfait. C'est pourquoi on utilisait de petits morceaux de verre de différentes couleurs, d'épaisseur inégale, de surface rugueuse et avec des trous vides contenant de l'air à l'intérieur. Ces plaques de verre ont été collées avec du plomb. De ces éléments, de la forme des plaques de verre taillées de manière appropriée, de leurs couleurs, de l'éclat de la lumière passant à travers le verre inégal et rugueux, et enfin du tracé ornemental des bandes de plomb, est né un caractère et un charme uniques du vitrail, qui ne permettent pas la peinture sur vitrail pratiquée dans le passé, à l'époque du déclin de l'art du vitrail, et même plus tard, après sa renaissance au 20e siècle. Au XXe siècle, la peinture sur verre se limite aux détails fins des visages et des mains, mais nécessite la disposition de mosaïques de verre transparent, en utilisant de manière artistique les valeurs décoratives des cadres en plomb.

Malgré la diversité stylistique fondamentale des vitraux de Mehoffer et de Wyspiański, ils partagent un certain trait commun. Chez les deux artistes, les figures humaines - contrairement à la tradition gothique - sont noyées dans une mer de fleurs. Les fleurs de Wyspiański, bien que stylisées, ne perdent pas leurs caractéristiques morphologiques botaniques, elles ne cessent pas d'être des iris, des tournesols, des phlox ou des roses. Pour des raisons décoratives, les fleurs de Mehoffer doivent être stylisées au point de perdre leurs caractéristiques d'espèce et de devenir des fleurs in abstracto, ce qui les rapproche de l'ornement floral des vitraux gothiques. . La polychromie murale - c'est le deuxième domaine, après le vitrail, dans lequel le grand talent de Mehoffer s'est concrétisé.

Malheureusement, il n'a pas trouvé en dehors de sa patrie un second Fribourg dans ce domaine, qui lui aurait permis de s'exprimer pleinement. Il dut se limiter à sa patrie, où la pauvreté notoire de notre société, l'ignorance et le provincialisme de nos administrateurs ecclésiastiques et, de surcroît, une vénération excessive, voire morbide, pour les vieux murs, ont trop souvent fait obstacle à la réalisation de ses impressionnants projets. Il en résulte qu'un seul petit intérieur bénéficie d'un couronnement complet de Mehoffer : il s'agit de la chapelle Szafraniec sur la colline du Wawel, "une perle de la polychromie polonaise".

Les murs sont restés simples, seule la voûte a reçu une polychromie sensationnelle et en même temps révolutionnaire dans l'histoire de l'ornementation polonaise. L'artiste s'est affranchi des modèles, de tout style roman, gothique ou baroque, et a librement introduit ses propres motifs originaux, inspirés par l'esprit de l'art nouveau et de nouvelles vues sur l'essence de l'art décoratif. Avec son œuvre, Mehoffer a prouvé qu'il avait bien compris, qu'il avait vu l'erreur de la Renaissance, qui traitait la décoration murale de la même manière qu'une immense toile de chevalet. Dans l'histoire de la peinture, il n'y a certainement rien de plus brillant et de plus profond que le plafond Sixtine de Michel-Ange.

Mais du point de vue des exigences de l'art décoratif moderne, cette peinture gigantesque échoue complètement dans sa tâche, pour la simple raison qu'elle ne peut jamais être embrassée d'un seul regard et que, lorsqu'on l'observe en détail avec des miroirs et des jumelles, on n'en voit que des fragments. Ce n'est que dans les reproductions, observées de près, que l'on retrouve toute la grandeur spirituelle du chef-d'œuvre de Buonarroti. Mais ce n'est pas l'art spatial que la polychromie murale devrait être en premier lieu. En revanche, la polychromie de Mehoffer dans la coupole de la chapelle des Safrans, réalisée selon la technique de la caséine, répond pleinement aux exigences de cet art, abandonnant le climat émotionnel, l'immédiateté et la puissance de l'idée, pour s'en remettre entièrement aux possibilités optiques du spectateur, qu'elle conquiert uniquement par ses qualités purement décoratives et imaginatives, par l'opération même d'un jeu parfaitement pensé et sensible de couleurs et de formes et de lignes ornementalement encadrées.

Cette œuvre a été peinte en 1906 et, tout en conservant la voûte à quatre champs dans un splendide ton rouille, l'artiste l'a recouverte d'une coquille superbement construite, sur laquelle il a coulé un énorme et impressionnant anneau d'anges chevaliers armés, utilisant dans leurs positions le motif de la répétition, extrêmement positif dans son effet décoratif. L'artiste a peint les têtes de ces anges de ses propres mains. Mehoffer n'a eu l'occasion de décorer qu'un seul intérieur de la cathédrale de Wawel. La décoration du Trésor de la cathédrale, commencée en igoi et conçue pour être encore plus riche et plus splendide, fut interrompue par l'intervention regrettable du comte Karol Lanckoroński. Karol Lanckoroński qui, dans sa célèbre lettre, s'est opposé à l'achèvement des peintures en se fondant sur l'hypothèse la plus fausse du monde selon laquelle la dignité de l'architecture de la cathédrale et du trésor serait gravement compromise s'ils étaient décorés de polychromie qui, avec sa splendeur et le talent de son auteur, s'imposerait en premier lieu aux yeux du spectateur.

Cette attitude, issue d'un amour de l'art mal compris et résumée dans le principe de ne pas admettre les vrais artistes dans les monuments de l'architecture ancienne, mais de protéger des médiocres dépourvus de toute compétence, Mehoffer la soumet à une critique calme mais dévastatrice, avec l'infaillibilité de ses arguments, dans une excellente brochure intitulée "Notes sur l'art". Mais la superstition esthétique l'emporta, le comité de restauration dirigé par le cardinal Puzyna rompit l'accord et la Pologne fut privée d'une œuvre d'art qui aurait donné une nouvelle splendeur à l'ancien sanctuaire du Wawel. Dans son état actuel, inachevé, la polychromie du trésor n'est qu'une sorte de cadre ornemental pour la grande composition figurative. Trois grands champs blancs ont été conservés, dont le plus grand, d'une largeur de 9 mètres, devait accueillir la peinture décorative : des chevaliers polonais chantant la "Bogarodzica" avant la bataille.

Mais même cette peinture, que l'artiste a réussi à réaliser, est le témoignage le plus glorieux de la magnificence de sa vision décorative picturale et de la richesse inépuisable de son imagination. Le ton bleu de la magnifique voûte gothique sert de toile de fond parfaite aux nervures noires dorées, qui ont été richement ornées de motifs de couronnes jagelloniennes à la base. La partie inférieure est ornée d'une frise de fleurs stylisées aux reflets céladon, grenat et or. L'artiste a peint de ses propres mains, à l'huile, les bustes d'anges juvéniles sur la voûte, garçons et filles, dont les visages, bien que généralement idéalisés, sont toujours très individualisés, avec des nimbes et des ailes, tenant dans leurs mains des rayons d'étoiles, et plus loin, des figures de génies jeunes et vieux dans de soi-disant paniers, pleins d'expressions suggestives de souffrance. Les figures de l'Archange de la Paix et de l'Archange de la Guerre, préparées, comme les quatre groupes de génies dessinés au fusain, avec des cartons séparés.

Avec ces archanges, l'art de Mehoffer atteint un sommet, qu'il atteindra aussi plus tard, mais qu'il ne dépassera jamais. Le premier, vêtu d'une chemise blanche de paysan et ceint d'une large ceinture brodée de fleurs, portant des chaussures à l'empeigne souple et doublée, avec un visage subtil et doux de jeune fille, tend au peuple en conflit une branche de saule comme symbole de paix. L'autre, chaussé de sandales portées aux pieds nus, vêtu d'un kaftan multicolore à motifs floraux, attaché par une ceinture Podhale gasdowski, une corne de buffle au côté, une épée flamboyante dans la main droite, s'avance d'un pas vif, mais son beau visage juvénile affiche une expression d'angoisse et d'années de contrainte, soulignée par un mouvement significatif de sa main gauche, qui est pressée sur son front avec le dos de sa main. À l'arrière-plan, les têtes des deux archanges portent de grands boucliers nimbés d'or et de reflets, et à leurs épaules poussent d'énormes ailes, aussi magnifiques que seul Mehoffer peut les rendre.

L'action malheureuse du comte Lanckoroński a eu pour conséquence désastreuse pour l'art polonais que la polychromie de la cathédrale de Płock, conçue par l'artiste en 1901, qui était d'une valeur exceptionnelle, est également tombée à l'eau. E. Niewiadomski écrit à propos de cette triste affaire : "L'histoire des projets de polychromie dans l'ancienne cathédrale de Płock est un scandale qui crie vengeance à Dieu. Le beau projet de Mehoffer, qui aurait pu en faire un merveilleux monument cher à tous les cœurs polonais, a été gâché par le fait qu'en Pologne, des personnes sans culture artistique sont nommées à des postes de responsabilité, qui n'acceptent qu'un art banal et plat à la mesure de leur propre âme.

C'est ainsi que la polychromie de cette cathédrale a été confiée à un peintre inconnu, protégé des inquisiteurs de Plock, qui l'a déshonorée avec une peinture d'une banalité, d'une ineptie et d'une absence de style inqualifiables.Le seul détail de cette polychronie qui soit parvenu à la connaissance du public est un immense ange de quatre mètres provenant de la voûte, extrêmement subtil et raffiné dans son dessin et son expression de la prière, et puissant dans sa coloration, maintenue dans différentes nuances de rouge, rehaussée d'or et soulignée par des filets de saphir. Un carton représentant cet ange a été réalisé par l'artiste en 1903 et popularisé par des cartes postales éditées par la librairie de J. Czernecki à Wieliczka. La cathédrale arménienne de Lviv devait également être décorée dans un style grandiose. Des esquisses de la polychromie ont été préparées par Mehoffer en 1907.

Malheureusement, ici aussi, l'ensemble ne s'est terminé que par la mosaïque de la coupole et de ses pendentifs. Le motif principal est la Sainte Trinité, exécutée d'après l'immense toile de l'artiste (4 m. de diamètre) de 19)2. Il s'agit d'une variante d'une composition de 1900, peinte en forme de rond-point selon la technique de la fresque sur un mur. L'artiste, qui s'intéressait généralement aux différentes techniques picturales, s'est consacré à cette époque à l'étude approfondie de la peinture murale. Le motif des anges du trésor, exécuté sur le mur avec de la colle, date également de cette époque. Le concept de la Sainte Trinité est marqué par une innovation iconographique audacieuse et heureuse. Dieu le Père, représenté en buste, les cheveux grisonnants, vêtu d'un manteau constellé d'étoiles, tient sur sa poitrine le corps du Christ tourmenté, soutenu par des anges.

Un triangle d'or brille à l'arrière-plan de sa tête. Une immense colombe du Saint-Esprit est perchée sur son épaule droite. La composition très imaginative forme un groupe compact, uniformément maintenu dans une atmosphère de tristesse cosmique.De nombreuses autres idées décoratives à grande échelle de Mehoffer n'ont pas attendu d'être exécutées. En voici quelques-unes : 1) Les esquisses d'une frise sur les murs extérieurs de la Société des amis des beaux-arts de Cracovie de l'année igoo, avec des thèmes : Wawel, gardant l'autel de la patrie, Nature et Art, et deux motifs de Pégase avec les Muses. Le thème "Nature et Art" a ensuite été développé par l'artiste sous la forme d'un carton décoratif séparé, représentant, à gauche, un beau groupe de magnifiques génies féminins conduisant un jeune garçon ailé représentant l'Art, et à droite, une personnification moins heureuse de la Nature sous la forme d'une jeune fille flottant dans le vent, ses tresses et sa jupe battant au vent, et tenant un bouquet de tournesols à la main. 2).

Projet de concours pour la poíicfironija de la chapelle Sainte-Sophie à Waweíia de 1900/1901, composé de quatre tableaux : la reine en majesté, la reine prêtant le serment de purification, la reine en tant que fondatrice de la chapelle et le roi faisant ses adieux à son épouse avant de partir en expédition de guerre. 3) Esquisses pour la décoration de la frise du Parlement de Vienne de 1907, basées sur des motifs de génies nus, de chevaliers du Sphinx romain et de diverses figures allégoriques, conservées dans un style calme, presque classique, mais tout à fait moderne. Les esquisses de 1900 servent de base à la décoration de l'ensemble de la chapelle de Sobieski sur le Kaklenkeig, qui comprend la messe sur le Kahlenberg avec Jean III comme enfant de chœur (l'artiste a travaillé sur ce sujet séparément l'année suivante dans une immense toile de 6 mètres de haut), le tableau au-dessus de l'autel : "Innocent X devant un arbre symbolique", le tableau au-dessus de l'entrée "Arch. Michel sur le champ de bataille" et les armoiries des chevaliers ayant participé à l'expédition sur le mur au-dessus de la fenêtre, - de toute la série d'idées décoratives pour le Kahlenberg, seul le projet de la grille en fer a été réalisé.

Esquisses pour la décoration de l'église N. Panny Marja dans la vieille ville de Varsovie. Mehoffer n'a eu l'occasion de décorer que deux intérieurs entièrement selon ses idées, l'un n'existant que temporairement, l'autre de manière permanente. La salle d'exposition de la Twa "Sztuka" au Glaspalst de Munich en 1905 était entièrement décorée selon l'idée de Mehoffer, avec des broderies sur le vehun, recouvrant la lumière supérieure, les chaises, le coffrage du portail et le so= praporta "Pégase et Muses".

En 1906, l'artiste conçoit la décoration et l'ameublement complet de la salle de réunion de la Chambre de commerce et d'industrie de Cracovie, à savoir le plafond et les murs polychromes, réalisés selon la technique de la caséine, les poutres du plafond, les lambris de la galerie et des murs, la tribune présidentielle, les chaises et le pupitre, le dispositif en métal forgé pour l'éclairage électrique, les bronzes coulés sur les lambris, et enfin la grande peinture décorative sur toile "L'apprivoisement des ombres".

Ce tableau, dans son ensemble, est l'une des plus belles créations de l'imagination artistique de Mehoffer. Le centre du tableau est occupé par le nu superbement modelé d'un jeune homme entièrement nu qui, dans un déchaînement baroque de son corps puissant, soumet les éléments à sa volonté. De sa main gauche, il saisit le bras de la belle Eau, dont l'immense chevelure coule vers le bas en torsades exquises, comme de l'eau. De sa main droite, il saisit simultanément les robes de l'Air et du Feu, deux femmes terrifiées étrangement ailées, dont seul l'Air, trop lourd et pas assez noble dans sa forme et son expression, perturbe un peu l'harmonie de la composition. Une esquisse du décor du plafond des "Fées" pour le palais d'Okocim (<1889), maintenu dans des formes rococo, tiepolsque, complète cette liste exhaustive des œuvres décoratives de l'artiste.

L'assiduité et la productivité de Mehoffer sont dignes d'admiration. Ses vitraux et ses po= lichromes, exécutés ou simplement conçus, suffiraient à remplir la longue vie de plus d'un artiste. Chez lui, cependant, ce n'est qu'une partie de sa production artistique. Outre ces œuvres, il existe une longue série de peintures de chevalet, de portraits, de paysages et de compositions qui se comptent par centaines. La taille de cette étude ne permet pas une analyse détaillée et une évaluation esthétique de ces œuvres. Cela nécessiterait une monographie plus étoffée.

C'est pourquoi je me limiterai à une caractérisation générale. La caractéristique la plus frappante des peintures de chevalet de Mehoffer est que le talent décoratif par ex= ceffence de leur créateur y transparaît clairement. Plus ce sens décoratif peut s'exprimer librement, plus la valeur artistique du tableau est élevée. Lorsque les motifs décoratifs sont absents, nous obtenons des œuvres d'un naturaliste très expérimenté et parfaitement maîtrisé, très précises dans le dessin, impeccables dans le ton, fortes dans la caractérisation, mais dépourvues de beauté individuelle, en particulier mehofférienne.

En fin de compte, elles auraient également pu sortir du crayon d'un autre artiste talentueux, se référant objectivement à la nature. Dans cette catégorie, on trouve la célèbre "Jeune fille juive", la tête d'une paysanne sur fond de verdure, le portrait d'une jeune fille en robe de bronze, la "Veuve de guerre", etc. L'ensemble de Mehoffer n'apparaît cependant que lorsqu'il peut animer et diversifier la réalité par l'introduction de motifs décoratifs. Ceux-ci trouvent leur débouché soit dans une conception plus ou moins fantastique et ornementale du modèle, soit dans une bonne disposition du fond et le choix des accessoires, soit dans une bonne solution du problème de la couleur, soit enfin - c'est le cas le plus fréquent - dans la combinaison de tous ces facteurs.

Bien entendu, dans le portrait, les éléments décoratifs n'éliminent ni ne suppriment des questions aussi fondamentales que celles de la silhouette, de la ressemblance, de l'expression, de la plénitude de la vie qui palpite dans le visage et dans l'ensemble de la figure. Au contraire, la combinaison de ces deux sphères crée des œuvres de grande valeur. C'était déjà le cas dans le potrecic du sculpteur de 189}, et surtout dans le fameux "Singer", décrit avec tant d'enthousiasme par William Ritter, vibrant de la tête aux pieds d'un sentiment de triomphe, qui trouve un écho dans l'admiration des hommes qui regardent derrière le rideau du tableau "Christ à Emmaüs" de 1896, où le Christ, assis avec ses disciples à une table sur une terrasse, est représenté sur un fond d'une étonnante profusion de fleurs, se combinant avec les autres détails colorés du tableau pour former une somptueuse mosaïque décorative.

Le "Christ au jardin", peint la même année avec Stanislavsky, constitue une sorte de pendant à ce tableau. D'une couleur plus synthétique, la "Muse" de 1895 représente une figure féminine vêtue de robes blanches et fluides, un luth à la main, dans un paysage illuminé par le soleil couchant. Parmi les compositions les plus belles et les plus connues de Mehoffer figure son "Jardin étrange", tout droit sorti de l'esprit de l'art décoratif (1902/3). Il s'agit d'un autre hommage de l'artiste à sa femme, avec laquelle - comme le prouve son œuvre - il est lié par une relation particulièrement cordiale et intime, fondée sur une coexistence spirituelle plus profonde.

Son costume saphir se reflète dans une tache sombre sur le vert éclatant du jardin baigné par le soleil d'automne, à travers lequel une guirlande de fleurs multicolores s'enroule comme un serpent géant. Au premier plan, un garçon nu à la tête blonde secoue les tiges des mauves en fleurs comme s'il s'agissait de tulipes dionysiaques. Son contrepoids coloré est créé à l'arrière-plan par la figure d'une nounou en costume folklorique. Au-dessus de tout cela, une libellule géante et dorée plane comme un symbole d'émerveillement, de bonheur familial, de charme de la nature et en même temps des tendances décoratives de l'artiste. Des fleurs et une poésie distincte, purement visuelle, font le charme de cette étrange peinture de 1907, propriété de l'Oesterreicfiiscfie Galerie tv Vienna et intitulée "La belle rêveuse".

Sur une chaise, comme sur un trône, est assise une jeune fille en robe noire et blanche, recouverte d'un manteau grisâtre richement orné. Une couronne de fleurs des champs orne ses cheveux clairs. Sur son visage subtil, une profonde réflexion émotionnelle jette un rêve si intense qu'il en est douloureux. Les courtisans de cette reine des champs sont remplacés par de petits paysans, assis en rang à ses côtés, tenant à la main, comme des sceptres, des tiges de fleurs épanouies. La douceur ou la naïveté délicieuse de leurs visages se fondent avec la figure de leur fantasque souveraine dans une atmosphère fascinante de jeunesse merveilleuse et de langueur juvénile. Les paysages occupent une place considérable dans l'œuvre de Mehoffer.

Ils peuvent être classés chronologiquement et topographiquement en certains groupes". Il y a tout d'abord une collection de paysages de Niepołomice datant de 1894, dans laquelle Mehoffer - comme il s'exprimait lui-même en plaisantant - était le Jean-Baptiste de Stanisławski, ouvrant la voie au paysage impressionniste moderne, qui a vu le jour à Paris. La grande composition paysagère "Coucher de soleil sur la Vistule" date également de cette époque. Un grand nombre de paysages ont été créés dans le village de Jankówka, qui a été la propriété et la résidence de l'artiste pendant dix ans (1907 - 1917).

Enfin, en 1925, Mehoffer réalise une série de paysages romains et en 1926, une série de paysages de Kamienna, sur la rivière Nida. Dans les paysages de Mehoffer, l'artiste décorateur vient également en aide au peintre paysagiste et lui rend un service capital, soit en rassemblant des fleurs, des arbres en fleurs et de la verdure de différentes tonalités en un ornement à motifs, comme un pagne oriental, soit en égayant le paysage avec du personnel humain ou animalier décoratif. Les grands paysages de Mehoffer impressionnent par leur position comique, qui s'exprime dans l'équilibre soigneusement étudié des masses peintes et dans la construction colorée esthétiquement fertile du tableau.

C'est le cas, entre autres, de la "Tempête au printemps", impressionniste dans sa luminosité colorée, de l'"Âge d'or" (1923), d'une gaieté classique, et de l'"Épopée romaine" (1925), d'une gravité kia' sque. Et ce n'est pas la fin de la chanson sur la productivité de l'art de Mehoffer. Son talent possède une curiosité vorace qui ne veut laisser aucun domaine de la peinture et de la décoration en friche. Il s'intéresse donc à la décoration théâtrale. Le "Judas" de Rostworowski (1912) a été joué à Cracovie dans des décors réalisés d'après ses projets, les projets de décors pour "Caligula" du même auteur (1917) et les dessins pour la mise en scène de ses "Enfants terribles" <192 > n'ont pas vécu pour être réalisés.

En 1909, Mehoffer a conçu un cercueil en acajou avec bronze et un diplôme d'honneur pour le Dr K. Gałecki, et en 1911, Mehoffer a réalisé son dessin de la tombe de la famille Wachtl en granit et bronze au cimetière juif de Cracovie. L'artiste a également réalisé un certain nombre d'œuvres graphiques ornementales, telles qu'un billet et une affiche pour la loterie Matejko, une affiche pour l'exposition Grunwald à Lviv, une affiche "Aerolot", deux dessins pour des timbres-poste "Aerolot", une affiche pour l'exposition "Sztuka" : Modern Muse, Dancing with Birds of Paradise, un dessin pour un billet de rallye de la Banque de Pologne, des actions de la Banque commerciale, du minerai de fer, des locomotives, et ainsi de suite. Les couvertures sont pleines de fantaisie picturale et d'invention décorative, notamment pour les carnets individuels de "Chimera", pour l'"Art polonais" d'Altenberg et pour d'autres livres : "Les enfants terribles" de Rostworowski, Le miracle de la Vistule" de Ligocki, Le printemps" de Kaden-Bandrowski, Dans le jardin des roses" de Ligocki, L'art chrétien ancien" du père Kruszyński - ainsi que des dessins de cafeiiciarium et autres dans le catalogue de l'exposition d'imprimerie à Cracovie, et des décorations d'imprimerie pour le livre du père Bandurski sur Jadwiga. Enfin, Mehoffer s'essaie avec succès à la gravure à l'eau-forte